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FREDA · House of human

FREDA · HOUSE OF HUMAN
febrero 2025

HOUSE OF HUMAN

BY FREDA

ECOSYSTEMS OF TOMORROW por HOUSE OF HUMAN, GLOBAL MUSEUM PARK. 
El arte del futuro y el futuro del arte, instalaciones artísticas del mañana, la creación del agua. Esta obra de
arte, llamada CITIZEN LOVE, CARTEL OF LOVE, va acompañada del POEMA A LA HUMANIDAD, que es un
excelente resumen de su visión para la humanidad. Esta obra forma parte de la instalación que ella quiere
presentar en la BIENNALE DE VENECIA 2026.

En este momento, Freda está ocupada diseñando el House of Human Global Museum Park y escribiendo su
tesis sobre ECOSYSTEMS OF TOMORROW por HOUSE OF HUMAN en los Países Bajos, junto al mar, donde
comparte su estudio con la comunidad global y otros artistas. Sus principales estudios se centran en la
fascinante intersección entre las Artes Visuales, el Diseño Situado (diseñando comunidades del mañana) y
los Futuros Ecológicos. Esta pieza es una parte icónica de la colección Billenial Utopia—poesía, arte e
instalaciones artísticas del mañana. En el futuro cercano, será exhibida en la Biennale de Venecia 2026 y
en el House of Human Global Museum Park 2030.

NOCTURNAL ART, NUCLEAR ART es la tendencia de FREDA siguiendo la idea de ecosistemas rotos. Ella cree que la
humanidad podría llegar a un punto de convertirse en seres nocturnos después de las fuertes olas de calor que se
avecinan. Ella escribe a lo largo de estas líneas: arte nocturno, arte de billonarios, llévanos a las estrellas,
inspirando a la humanidad a avanzar hacia una era de abundancia, la Era Billenial. Las exposiciones de arte de
HOUSE OF HUMAN se muestran como una doble apreciación, con una vista normal y una vista especial con luz
oscura, refiriéndose a los apagones de energía que aún están por venir. El propósito de FREDA es mostrar ambas
realidades. Esta obra de arte inspirará a sus coleccionistas a pensar en cómo podría ser el futuro. Su propuesta es
mezclar el Arte, la Humanidad, la Naturaleza y la Tecnología.

FREDA

@houseofhumanart

Freda empezó su carrera en China con un proyecto clave; introducir el concepto de sándwich en el mercado chino para la empresa de pan más grande del mundo; luego de que la trajeran nuevamente a Asia para ser parte de un proyecto de expansión de la marca, Tiger Beer con Heineken; Posteriormente se mudó a Detroit para unir fuerzas en el poderoso proyecto “El camino al número uno” con Dominos Pizza, participando en proyectos globales como; vendiendo pizza americana en Italia o reformando una conocida cadena de pizzerías en Alemania, ahora trabaja junto al agua en su estudio de arte diseñando Ecosistemas Experimentales del Mañana, El Arte del Futuro y El Futuro del Arte, ¿Cómo podemos avanzar? Utopía milenaria.

Durante su dilatada carrera, ha ganado varios premios creativos y, después de todo, ha aprendido a cerrar la brecha entre el arte, la humanidad, la naturaleza y la tecnología para empoderar las marcas.

Sus reglas de oro son; Siempre profundiza en ti mismo primero, encuentra tu tribu y la vida es un multiverso, ¡no dejes que nada te defina!

Bernhard Stüber · Arena, Canela O El Amor A La Geometría

BERNHARD STÜBER · ARENA, CANELA O EL AMOR A LA GEOMETRÍA
Dicembre 2024

Difícilmente se puede reconocer el amor a la geometría en los objetos aquí expuestos a través de fotografías.Las construcciones son primero bosquejadas sobre papel, después aserradas a partir de palitos de paleta y triplay, luego pegadas con pegamento y finalmente recubiertas, por ejemplo, con arena de las cercanas playas del Golfo de México. Puestos en escena y fotografiados los objetos adquieren a través del material utilizado una cercanía a su entorno, convirtiéndose casi en parte de él.

Bajo la fría luz invernal de mi patria alemana las construcciones enrejadas de la serie así fotografiada parecen acurrucarse en el tronco y las ramas de los deshojados árboles frutales o en los árboles centenarios de un parque.La superficie surcada de los añosos troncos concuerda con la de los objetos que fueron diseñados en el mismo tono, estableciéndose una misteriosa conexión entre su forma estrictamente geométrica y su portador sobre el cual fueron recargados, sobrepuestos o colgados sin ayuda de adhesivo alguno. El evidente contraste entre árbol y objeto aparece bien balanceado en la composición que solo existe como serie fotográfica que fija el momento del encuentro.

Una serie más de pequeños objetos muestra su parentesco a través de la uniformidad de dimensión de los palitos y la hoja de madera, de la superficie costrosa y del vidriado con polvo de canela común a todos ellos. Variaciones diversas de estas estructuras en rejilla nos procuran por medio del aroma de la canela una geometría aparentemente comestible. Una maravillosa ilusión….

Para concluir, cuerpos de madera listados con arena conforman un grupo que evoca una maqueta de obras arquitectónicas que en su cohesión monumental resultan reservadas y enigmáticas. Las juntas entre los palitos de madera que constituyen el objeto aparecen en parte llenadas con arena produciendo una piel dispuesta en estricto sentido vertical y horizontal. El interior permanece oculto, corresponde a la fantasía del observador asignarle un contenido.

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NADA QUEDA · ASPECTOS DE LA TRANSITORIEDAD

En la playa yacen objetos que parecieran muy conscientes de su forma sobre la arena iluminada por el sol, pueden ser arrollados por las olas impetuosas o colgados y en parte envueltos por las hojas de las despeinadas palmeras a orillas del mar. La rara belleza de los objetos en perfecta consonancia con el agua, la arena, las nubes y la luz del trópico impiden el pensar en su utilidad o su verdadera naturaleza. A menudo la falta de proporción perceptible entre el muy pequeño objeto y el entorno permite el surgimiento de una ilusoria gran dimensión del mismo.

Fueron fotografiados a lo largo de innumerables caminatas por las playas del Golfo de México que ocurrieron al correr de los años irregularmente. Así se fueron dando diferentes y variadas formas, cambiando las metas según la circunstancia. De ese modo aparecieron estructuras a menudo amorfas cubiertas enteramente con letras, algunas otras fueron parcialmente doradas para poner de relieve las partes frágiles aparentemente consistentes de arena, surgieron enrejados curvos, combinaciones con hojas secas marrón oscuro de plátano….

BERNHARD STÜBER

@bernhardstueber.art

Bernhard Stüber nació en 1952 en Karlsruhe, Alemania, y su trayectoria artística se ha definido por una constante búsqueda de la interacción entre la pintura, el diseño y el espacio. Formado en la Academia Estatal de Artes Plásticas de Karlsruhe y la Universidad de Karlsruhe, su labor se ha caracterizado por un enfoque interdisciplinario que ha abarcado desde el arte pictórico hasta el diseño arquitectónico.

A lo largo de su carrera, Stüber ha mantenido una relación estrecha con México, realizando estancias anuales desde 1982 en ciudades como la Ciudad de México y Mérida, Yucatán, lo que ha influido profundamente en su obra, integrando elementos de la cultura latinoamericana con su formación europea. Su carrera docente comenzó en 1979, cuando impartió clases de artes plásticas en un liceo de Baden-Württemberg, y más tarde continuó como profesor asociado en el Instituto de Fundamentos del Diseño de la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Karlsruhe.

En su carrera profesional, Stüber ha recibido múltiples reconocimientos. Entre los más destacados se encuentran el Premio Arthur Grimm en 1988 y 1992, en las categorías de pintura y diseño gráfico, así como el primer premio en el concurso convocado por la empresa Brita en 1993, con una pintura sobre el tema del agua. Estos premios reflejan su habilidad para interpretar temas contemporáneos y su capacidad para expresar ideas complejas a través de medios visuales.

La obra de Stüber también se ha expandido al ámbito del diseño arquitectónico, realizando intervenciones en espacios públicos y privados, como el diseño de la entrada del Centro Cultural Antigua Maltería Mosbach (1996-1997) o la concepción artística del tanatorio de la comunidad de Obrigheim (1998-2000). En estos proyectos, su enfoque se ha centrado en la armonía del color, el espacio y la luz, creando ambientes que no solo son funcionales, sino también profundamente estéticos y significativos. 

Los objetos elaborados en el taller consisten de palitos de paleta cortados de manera exacta, hoja de madera, cartón y están cubiertos con arena finamente cribada de la costa del Golfo. Por medio de la aplicación de varias capas de arena sobre las estructuras geométricas que poco tienen que ver con las formas naturales, se consigue una cercanía al paisaje costero circundante. Esta incorporación las despoja de su carácter de cuerpo extraño, sin restarles su misterio. No determiné una posición específica para los objetos que son estrictos en su forma y a la vez simples. Arriba y abajo son situaciones que se dan al acomodarlos. En su mayoría poseen un color claro arenoso o marrón como la madera que se corresponde con el de la playa y con el de las palmas secas que cuelgan de palmera. La estancia en la playa es corta. Los pongo en escena sobre la playa, en el agua, en las palmeras cercanas al mar. El criterio siempre es conjuntar la contemplación del paisaje y la creación de un pequeño espacio en el que las formas encuentren cabida de una forma natural.

Fundamentalmente las estructuras de arena y madera son colocadas provisionalmente en el lugar elegido sin clavos ni adhesivos. Si se caen son reparados en el taller o eliminados definitivamente, o pueden dar lugar a nuevos objetos que regresan a la playa para ser fotografiados. La escenificación es fugaz. El hallazgo del lugar adecuado en la playa es para mí un maravilloso préstamo que me concede la naturaleza. En el diálogo de los objetos con la naturaleza circundante de la cual proceden sus materiales, éstos reconocen su transitoriedad.

La durabilidad a largo plazo de las frágiles estructuras no es una meta porque están predestinadas a existir sólo temporalmente. Son configuraciones evidentemente geométricas. En el lugar quedan huellas efímeras sobre la arena. La playa es y seguirá siendo el lugar anhelado, sin garantía de reencuentro. Lo que permanece son recuerdos fijados en fotografías que hablarán en la posteridad de mis momentos felices en la playa y seguirán alimentando mi creatividad mientras sueño despierto.

10 / 10 Arte + Humano

EXPOSICIÓN · 10 / 10 ARTE + HUMANO
agosto 2024

Arte + Humano

Celebrando el arte con excelencia en talento y calidad

Esta exposición colectiva presenta una notable colección de obras que surge de la vibrante escena artística de Guadalajara, Jalisco. Compuesta por siete talentosos artistas mexicanos—Claudia Huizar, Aram Cortés, Ferdela, Goghi Escobedo, Juan Basulto, Luis Buendia y Jacob Flores—este colectivo de artistas plásticos se une para celebrar y enaltecer la riqueza cultural de México a través de una expresión artística que trasciende fronteras y promueve un diálogo global sin límites.

El panorama artístico global está en constante evolución, y esta muestra es un reflejo de las múltiples narrativas que surgen en la intersección entre arte y humanidad. Cada uno de estos artistas aporta una perspectiva única, demostrando la capacidad del arte para desmaterializar el objeto y dar paso a una noción intelectual que invita a la reflexión y a la observación profunda.

En esta exposición, el arte conceptual juega un papel fundamental. Se busca ir más allá de la representación tradicional para explorar ideas subjetivas y la representación de conceptos abstractos. A través de la desmaterialización del objeto artístico, los artistas crean espacios para el diálogo y la introspección, permitiendo al espectador cuestionar y reinterpretar la realidad a través de sus propias lentes.

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CLAUDIA HUIZAR

ARAM CORTÉS

FERDELA

GOGHI ESCOBEDO

JUAN BASULTO

LUIS BUENDIA

JACOB FLORES

Simbiosis · Lorraine Toohey · Tania Cámara

LORRAINE TOOHEY · TANIA CÁMARA · SIMBIOSIS
June 2024

LIVE THE EARTH EXPERIENCE

TANIA CÁMARA · LORRAINE TOOHEY

Recognize the wisdom of
nature is a task
naturally human.

We come from nature, we live in
nature, with nature and
also about nature, because
We are not only nature.

We are the wise women of nature, who
They can know everything that happens in
she
and can establish a symbiosis with
she who favors the lives of all
Raimon Panikkar, Ecosophy. The wisdom
of the Earth, 2015

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In an intuitive act guided by contemplative experience, the work of Tania Cámara (Mérida, Yucatán) and Lorraine Toohey (Edmonton, Canada) calls for a radical transformation in our actions as we relate to the nature that surrounds us through plastic and visual language. with which they decipher the ways of life of which we are part.
That system of symbiotic relationships between different species in which the most powerful forces of evolution are found, the support of life on Earth.

Through a selection of paintings, totemic sculptures and a series of experimental ceramics, the exhibition presents the traces of an ancestral memory based on codes, patterns, colors, matter and energy, elemental expressions of the biological structures that the artists notice. of the environment they cohabit, as a manifestation of the sense of connection, belonging, care, affection and love to their immediate ecosystem, to the water, the land and the experience of their life in communication with them. A symbiotic vision in which two perspectives interact that recognize the visible plant formations above the ground, as a reflection of what is happening below in the rhizosphere.

The trace and mold of the invisible relationships that weave the forces of connection with other biological systems through their sensitive approach: here we find new ways of artistically approaching the landscape; perhaps also with the attempt to assume the last records of a terrestrial life that is about to disappear. Think and act from that life.

Cultivated in a search for contemplation and nature, both women share their artistic research in the present exhibition through a set of pieces made during the last three years, integrating the production of the last cycle of Tania's native trees, the container vessels of Wisdom and the Ancestors of Lorraine series; In the latter, there is the clan of totems -doodem- guardians of energies that begin the route in the garden of the House and that have been made expressly as a specific site installation.

Flora, fauna and funga, the three terrestrial kingdoms present in this exhibition, bring into account how the arts are powerful portals to celebrate our experience on Earth, in its condition as a multiversal language - and multispecies - considering human creativity as a form of remember and cohabit in reciprocity with the creation of life.

Curator: Regina Tattersfield Y.

TANIA CÁMARA

He was born in the city of Mérida, Yucatán. At an early age she began her painting studies and developed her love for art.
With more than 50 exhibitions, among which stand out: 1992, January. Second place in the Fernando García Ponce award, held by the Academy of Sciences and Arts of Yucatán. 1992, May. Exhibition at the Mural Art Gallery in the city of Cleveland, Ohio, USA 1994, December. Individual exhibition at the “José Peón Contreras” Theater Gallery in Mérida, Yucatán. 2000, October.

Exhibition in the general archive of the Nation in Mexico. 2017, December. Collective exhibition “Colors
of Yucatán” in the Senate of the Republic in CDMX. 2018, September. Group exhibition “Art 1010 in Lincoln”, Mérida, Yucatán. 2019, August. Collective exhibition “In the Sea of Stories” at the Arte 1010 Gallery, Progreso, Yucatán. 2019, December. Participation in the “Inspire Miami”, Florida, Miami.

For the creative history of the artist it represents
a mark on his own journey marked by his
obsesión y pasión por el color que igual transforma
objects that masks, faces or
wild and tropical nature… – Mónica Rangel

LORRAINE TOOHEY

Lorraine completed her degree in Bellas Artes
from the University of Alberta, Canada in 1988. He specialized in sculpture (abstract welded steel) and
a minor in drawing. After a long trip through the Southeast
Asian and Indian, he also studied Eastern religion,
which began his interest and devotion to Buddhism
Tibetan. Later, he earned a bachelor's degree in
Visual Art Education and completed all
courses for a master's degree in Art Education.

Lorraine taught Visual Arts in Vancouver for
more than 20 years and was distinguished by her devotion to her
her students, many of them entered various
university visual arts programs. She retired
from her school in 2014 and settled in Mérida
permanently.

Since moving to Mérida, Lorraine has
experienced with various topics, materials and
techniques. She likes to explore, both on her trips and
in her art.

His “New Work” reflects a return to abstraction
through the clay. His handmade vessels
reflect the earth in its organic form and all its
His inspiration comes from nature.

Tiempos Modernos · Lazer Fundora

LAZER FUNDORA · TIEMPOS MODERNOS

INAUGURACIÓN 01 DE FEBRERO 2024

MAN IS THE BALANCE OF HIMSELF

Carlos Olivares Baró

“Vacío y aliento amagan en la piel“
J. Lezama Lima

The paintings of Lazer Fundora are human mouths pronouncing apparitions, the apparitions pronounced on the canvases of Lazer Fundora, are unrealities that we have all dreamed of, risky notes in the craters and torrents of foals that look at each other sweaty in the gallop of the expanse of untimely stars.

Lazer Fundora paints and the muffled smile of the world invites us with the softness of anger, to dance in the thicket of glass and mirror, Lazer Fundora does not paint: Lazer Fundora escorts our lonelinesses with fierce colors in lonelinesses with fierce dreamy colors: awakened kisses that prolong themselves and break like the shells of oriental tamarinds.

Lazer Fundora touches the tiny grains of the instant and the stillness is enlarged: ceremony cornered by the orphanhood we suffer.

"The Wall in the sun breathes, vibrates, undulates, a piece of living and tattooed sky: man drinks sun, is water, is earth"
Octavio Paz

Miró, Klee, Tápies, Penck, Basquiat, Bacon, Warhol, Cuenca....graffitti in dimensions marked by an informalism born in the whispers of pain: absence, nostalgia, look at what was, flicker that is embedded in a present sensory exile. Lazer Fundora continues in the sands of the Almendares: water that flows into his heart of a troubled boy. Influences that have been assimilated in random sketches stained with a sweet irony: tattoos on the markers irony: tattoos in the browns, in the reds and in the delicacies yellows.

Lazer Fundora disseminates his own suns: interior suns and the light is dismembered inslices of slimy rings for the gaze; to be an accomplice.

Work catalog

LAZER FUNDORA

In 1985 Lazer Fundora starts in the arts as a graphic designer in the magazine "Sómos Jóvenes" Editora Abril in Havana. At the same time, his first steps in the plastic arts, developing a fusion between the two worlds, hyperrealism and abstract, hence the use of texts, notes and symbols within texts, annotations and symbols in his work.

Thanks to the quality of his work, in 1989 he was invited to be a member of the Union of Writers and Artists of Cuba (UNEAC), the highest artistic institution in the country. After several solo and group exhibitions, he travels to Mexico in 1995 where he has developed most of his career, he currently resides in the city of Merida, Yucatan.

In addition to being a visual artist, Lazer is an illustrator for books and magazines; he has illustrated the covers of several books of short stories, novels and poetry for different publishing houses. Among them are the illustrations for the book of short stories "La Vuelta" by Jorge Ángel Pérez, for which he received the the Abril prize in 1991.

From 1996 to 2001 he worked as an illustrator for the famous adult magazine Playboy Mexico. In 1994 he received the "Salón Juan David" painting award in Havana, Cuba. This is one of the most important plastic arts salons in the country and one of the most important and one of the most recognized galleries in the country.

Lazer Fundora has participated in innumerable national and international exhibitions in museums such as Soumaya in CDMX, Museo del CDMX, Felipe Santiago Portrait Museum in Toluca, Siqueiros in Cuernavaca and galleries, such as Oscar Román in CDMX and Jorge Méndez Gallery en Palm Springs, California, U.S.A.

Planos Paralelos · Karla de Lara

KARLA DE LARA · PLANOS PARALELOS
Octubre 2023

PLANOS

PARALELOS

Michael Covián

Curador

Vestigio es aquello que nos permite inferir la existencia de algo que ha sucedido, la obra de Karla de Lara son vestigios construidos de pinceladas, colores, texturas y formas hechos lienzos y esculturas, la mirada reflexiva de Karla de Lara son elementos de acción que producen un nuevo sentido artístico en su obra, nos introducen al poder de lo simbólico, de sus propios simbolismos que extrae de la cultura pop, del realismo de los paisajes urbanos, para hacernos parte del imaginario colectivo llevado al pop art y al hiperrealismo.

La mirada de Karla de Lara no solo muestra el continuo devenir de imágenes sino que también nos narran la ruta de lo que observa construyendo historias sin fin que en cada irrepetible fragmento desglosa el deseo de lo que podría aparecer en una escena, en un retrato, en un paisaje pictórico. Las series que conforman esta exposición nos dan cuenta de los planos paralelos que son disimiles entre sí, series pictóricas llenas de color para hacernos sentir lo vivaz de las ciudades que habitamos para luego introducirnos a las series en blanco y negro con un fuerte componente melancólico, ahí tenemos lo disímil pero paralelo, vivaz y melancólico. Las esculturas que forman parte de este trayecto nos dan cuenta de la potencia creadora de una mirada que encapsula en lo matérico la cultura pop de nuestra época, planos, simbolismos, imaginarios, vestigios que nos remiten a una época llena de paralelos y contrastes.

Planos paralelos de Karla de Lara construye, escenifica el fundamento de una memoria personal e íntima así como muestra las prácticas de intercambio de saberes. El Centro Cultural Casa Gemela detona con Planos Paralelos con la mirada de Karla de Lara reflexiones que den actualidad a las problemáticas del arte contemporáneo para detonar diálogos y reflexiones con el público espectador.

Work catalog

KARLA DE LARA

Madre del pop art hiperrealista, es una artista mexicana reconocida internacionalmente por ser la creadora de su propia técnica original a base de tintas y ceras.

Cursó la carrera de Diseño Gráfico e Industrial en la Universidad Autónoma de Guadalajara y posterior a esto, estudió Artes Plásticas en la Academia de Bellas Artes de Florencia, Italia. Además, cuenta con un sinfín de estudios especializados, incluyendo óleo, acuarela, serigrafía, caligrafía y restauración.

El estilo de Karla de Lara se caracteriza por transportar a los espectadores a paisajes arquitectónicos con luces brillantes y colores dominantes que evocan recuerdos y experiencias. La atención de Karla en la comprensión de la luz, la atmósfera y las formas abstractas logra transmitir su propia interpretación de la realidad de una manera sorprendente.

Uno de los logros más destacados de Karla es haber sido invitada a exhibir en las salas de MACRO, donde realizó un live performance de 6 días, pintando en vivo dentro de una caja de cristal ante miles de visitantes.

Su carrera artística incluye más de 400 exposiciones individuales en 40 países y ha sido galardonada con al menos una veintena de premios internacionales y nacionales.

En 2018, obtuvo el primer lugar en la Bienal de las Naciones de Venecia, convirtiéndose en la primera mexicana en lograrlo. Su obra “Visiones” se encuentra en el Museo Nacional de Historia, siendo la primera pieza de un artista vivo en formar parte de la colección.

Entre sus coleccionistas se encuentran grandes figuras nacionales e internacionales de la música y el cine, así como destacados diseñadores y creadores de diversos géneros. Además, importantes fundaciones de arte también poseen su obra en sus colecciones.

Karla mantiene una importante colaboración artística con prestigiosas marcas. Asimismo, cuenta con una exposición permanente de su obra en el Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México, donde viajeros de todas partes del mundo, han tenido oportunidad de admirar su arte.

Haz tu cita

Lunes/Viernes – 9 am – 8 pm
Sábado – 11 am – 6 pm

Aké 22 · Luciano Cedillo

Luciano Cedillo | AKÉ 22
México
abril – septiembre, 2023

Hacienda San Lorenzo Aké

LA PARADOJA DE LA INTERPERIE

En el principio, casi no había azules. Estaba el cielo límpido y el agua cristalina del subsuelo, pero el ojo humano era incapaz de percibir el índigo, el añil, el cobalto. En su libro El prisma del lenguaje, el lingüista Guy Deutscher advierte que la palabra “azul” no existe en muchas de las culturas del mundo antiguo. De igual modo, como destaca la historiadora Luz María Vázquez, “el azul es poco mencionado en la cosmogonía maya, quizá porque la invención de este color fue tardía o posterior al pensamiento sobre el universo”. Así pues, cada civilización desarrolló, con diferentes tecnologías, formas de reconocer, nombrar y producir el azul a través de materiales disímiles. Por eso, dime cómo haces azul y te diré quién eres.

Las obras de esta exposición traen al presente una infinidad de texturas y una paleta cromática de antaño, de aquella época en que la persona no necesitaba más que tres o cuatro elementos para emprender la mímesis del mundo a través del arte: el rojo del kankab, la fibra del henequén, el “azul maya”, nombrado así por Rudolph Gettens en 1942. Con esta franca policromía, el museógrafo y restaurador Luciano Cedillo emprende una taumaturgia: conversa, como si hablara un código que se antoja mítico, con el arte que fue, y lo conjura hacia el porvenir. Las obras no están concebidas para estar aquí, bajo el cobijo de Casa Gemela, sino a la intemperie, cerca de los materiales que les dieron vida. Esa es la paradoja que conservan: son una ventana hacia otro tiempo, otro espacio y otro vocabulario visual.

David Loría Araujo.

Hacienda San Lorenzo Aké

EXPOSICIÓN
en Casa Gemela

A través de los vanos de sus arcos y ventanas se puede observar la belleza del edificio en ruinas, con la maquinaria antigua trabajando en su interor, transitando de lo histórico a lo arqueológico, negándose a desaparecer en el tiempo. Son estos vanos, de puertas y ventanas, los que nos dan la oportunidad de construir una nueva propuesta estética a partir de la producción de obras de gran formato, diseñadas ex profeso para este espacio; trayendo a la luz el empleo de antiguos materiales con nuevas propuestas formales a través de un diálogo entre el pasado y presente.

Este proyecto es una propuesta alejada de los museos, galerías y salas de exhibición tradicionales, recuperando el empleo de diversos materiales que pueden ser tan antiguos como la humanidad y al mismo tiempo brutalmente modernos, procesados a través de una fresca e inesperada dimensión original.

La intervención artística de la hacienda San Lorenzo presenta una extraordinaria oportunidad para conjugar los vestigios del pasado con un nuevo discurso estético basado en el arte contemporáneo, enfocado a la preservación de la arqueología y la reinterpretación de sus elementos etnográficos, rescatando los materiales empleados ancestralmente en la región maya, reutilizándolos con un nuevo lenguaje.

La piedra, madera, henequén, guano, zacate, cerámica y pigmentos como el Kankab, Saskab y el Azul Maya, tienen un lugar protagónico y una destacada presencia en esta intervención.

Exposición Casa Gemela

LUCIANO CEDILLO

El maestro Cedillo tiene la licenciatura en Restauración de obras de arte, cursó estudios en Arqueología; posteriormente una Maestría en Artes Visuales por la Academia de San Carlos de la UNAM Ciudad de México y la Maestría en Museología.

Cuatro décadas se ha dedicado al arte, la restauración, investigación y docencia del Patrimonio Cultural de México; ha dirigido los proyectos más importantes de restauración en México como Palenque, Chichén Itzá, Kohunlich, Tulum, el Castillo de Chapultepec, Palacio Nacional, la casa del arquitecto Antonio Rivas Mercado, Casa Gemela y Casa Morisca en Mérida.

Ha tenidos diversas exposiciones individuales y colectivas a lo largo de su vida y su obra se encuentra en colecciones privadas de México, Alemania, Italia y España.

Su formación en el campo del Arte, la Restauración y la Arqueología, lo han llevado a la permanente necesidad de darle a su obra nuevos horizontes, realizando diversas investigaciones de las técnicas y materiales más antiguas como la pintura rupestre, los códices, los papeles, los pigmentos precolombinos y dentro de ellos la elaboración del legendario Azul Maya.

Su interés por los códices mayas y mexicas lo llevó a la fabricación del amate y otros papeles de fibras naturales que ha venido empleando en su producción personal.

Un Lugar para la Tierra · José Luis García

ABR • 22 • 22

Pintor, muralista, escultor y ceramista originario de Huajuapan de León, Oaxaca. En su búsqueda es sensible desde lo más profundo de su alma, de la tierra recoge los colores y la transforma a partir de una cosmogonía personal.

Desarrolla una fascinante técnica con el barro y tierras naturales sobre muros al fresco, y en cerámica hace la alquimia con el fuego, la tierra, el agua y el viento… obteniendo la fijación de los colores que dan vida a su obra, en composiciones casi abstractas.

Su trabajo es el resultado de años de indagación formal y técnica, en ellos se revela su constante necesidad de fusionar las raíces y la vanguardia. Parte de su obra se produce en el Mar Pacífico, pintando con tinta de caracol purpura, también utiliza la grana cochinilla, “así los violetas del caracol y los rojos de la cochinilla conjuran un estallido cromático y una frescura sorprendente y sus composiciones evocan paisajes etéreos en los que el azar y la poesía de la naturaleza se conjugan para crear, más que formas, insinuaciones”.
(Germaine Gómez Haro. Jornada semanal, 29 de marzo 2009).

Su obra Mural la desarrolla con las técnicas de encausto, al fresco, artesonado, impresión en acrílico, barro bruñido, relieve mural en cantera, la acogen Universidad Nacional Autónoma de México, ENES-Mérida, Estadio de Béisbol Diablos Rojos Alfredo Harp Helú, Facultad de Medicina de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca, Universidad de la Salle Oaxaca, Biblioteca Infantil BS, Academia de Béisbol y Centro Académico y Cultural de San Pablo, Oaxaca, Museo y Palacio de Huajuapan de León, Hospital ABC, Observatorio y Santa Fe, CDMX, Escuela de Cerámica Tarbes, Francia, estación de transporte de Alemania, entre otros.

EL PROCESO CREATIVO

La abstracción ha evolucionado sus rasgos formales y significativos sin dejar atrás las nuevas aportaciones y el modo de concebir el arte desde mediados del siglo XX. Hoy, estamos ante un artista que ha transformado su obra y los materiales que en ella emplea de un modo original.

Comenzó aplicando acuarela sobre el papel, para pasar al acrílico y posteriormente a la integración de diversos materiales que sus ojos entrenados encuentran accidentalmente o tiene a mano, como el papel, cartón, alambre, restos de pintura que se han secado en el bote o fragmentos de hierro bellamente oxidados por el tiempo, que atesora como cazador por los lotes de chatarra, transformándolos, a través de una nueva organización estética sobre la superficie del lienzo, en un sublime diálogo entre ellos.

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